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Lucio Fontana. "Concepto spaziale", 1965. China ink on paper. Dimensions: 30 x 20 cm. with certificate. This is a preparatory work that is represented in this picture on a double face, that is, the front and the back. It was acquired in Rome, at the art gallery "Il Segno". Good conditions. Lucio Fontana (Italian: 9 February 1899 – 7 September 1968) was an Argentine-Italian painter, sculptor and theorist. He is mostly known as the founder of Spatialism. Born in Rosario, province of Santa Fe, Argentina to Italian immigrant parents, he was the son of the sculptor Luigi Fontana (1865 — 1946). Fontana spent the first years of his life in Argentina and then was sent to Italy in 1905, where he stayed until 1922, working as a sculptor with his father, and then on his own. Already in 1926, he participated in the first exhibition of Nexus, a group of young Argentine artists working in Rosario de Santa Fé. In 1927 Fontana returned to Italy and studied alongside Fausto Melotti under the sculptor Adolfo Wildt, at Accademia di Brera from 1928 to 1930. It was there he presented his first exhibition in 1930, organized by the Milan art gallery Il Milione. During the following decade he journeyed in Italy and France, working with abstract and Expressionist painters. In 1935 he joined the association Abstraction-Création in Paris and from 1936 to 1949 made Expressionist sculptures in ceramic and bronze. In 1939, he joined the Corrente, a Milan group of Expressionist artists. In 1940 he returned to Argentina. In Buenos Aires (1946) he founded the Altamira academy together with some of his students, and made public the White Manifesto, where it is stated that "Matter, colour and sound in motion are the phenomena whose simultaneous development makes up the new art". In the text, which Fontana did not sign but to which he actively contributed, he began to formulate the theories that he was to expand as Spazialismo, or Spatialism, in five manifestos from 1947 to 1952. Upon his return from Argentina in 1947, he supported, along with writers and philosophers, the first manifesto of spatialism (Spazialismo)**. Fontana had found his studio and works completely destroyed in the Allied bombings of Milan, but soon resumed his ceramics works in Albisola. In Milan, he collaborated with noted Milanese architects to decorate several new buildings that were part of the effort to reconstruct the city after the war. Following his return to Italy in 1948 Fontana exhibited his first Ambiente spaziale a luce nera ('Spatial environment') (1949) at the Galleria del Naviglio in Milan, a temporary installation consisting of a giant amoeba-like shape suspended in the void in a darkened room and lit by neon light. from 1949 on he started the so-called Spatial Concept or slash series, consisting in holes or slashes on the surface of monochrome paintings, drawing a sign of what he named "an art for the Space Age". He devised the generic title Concetto spaziale ('spatial concept') for these works and used it for almost all his later paintings. These can be divided into broad categories: the Buchi ('holes), beginning in 1949, and the Tagli ('slashes'), which he instituted in the mid-1950s. Fontana often lined the reverse of his canvases with black gauze so that the darkness would shimmer behind the open cuts and create a mysterious sense of illusion and depth. He then created an elaborate neon ceiling called "Luce spaziale" in 1951 for the Triennale in Milan. In his important series of Concetto spaziale, La fine di Dio (1963–64), Fontana uses the egg shape. with his Pietre (stones) series, begun in 1952, Fontana fused the sculptural with painting by encrusting the surfaces of his canvases with heavy impasto and colored glass. In his Buchi (holes) cycle, begun in 1949–50, he punctured the surface of his canvases, breaking the membrane of two-dimensionality in order to highlight the space behind the picture. from 1958 he purified his paintings by creating matte, monochrome surfaces, thus focusing the viewer's attention on the slices that rend the skin of the canvas. In 1959 Fontana exhibited cut-off paintings with multiple combinable elements (he named the sets quanta), and began Nature, a series of sculptures made by cutting a gash across a sphere of terracotta clay, which he subsequently cast in bronze. Fontana engaged in many collaborative projects with the most important architects of the day, in particular with Luciano Baldessari, who shared and supported his research for Spatial Light – Structure in Neon (1951) at the 9th Triennale and, among other things, commissioned him to design the ceiling of the cinema in the Sidercomit Pavilion at the 21st Milan Fair in 1953. Around 1960, Fontana began to reinvent the cuts and punctures that had characterized his highly personal style up to that point, covering canvases with layers of thick oil paint applied by hand and brush and using a scalpel or Stanley knife to create great fissures in their surface. In 1961, following an invitation to participate along with artists Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis, and others in an exhibition of contemporary painting entitled "Art and Contemplation", held at Palazzo Grassi in Venice, he created a series of 22 works dedicated to the lagoon city. He manipulated the paint with his fingers and various instruments to make furrows, sometimes including scattered fragments of Murano glass. Fontana was subsequently invited by Michel Tapié to exhibit the works at the Martha Jackson Gallery in New York. As a consequence of his first visit to New York in 1961, he created a series of metal works, done between 1961 and 1965. The works consisted of large sheets of shiny and scratched copper, pierced and gouged, cut through by dramatic vertical gestures that recall the force of New York construction and the metal and glass of the buildings. Among Fontana's last works are a series of Teatrini (‘little theatres’), in which he returned to an essentially flat idiom by using backcloths enclosed within wings resembling a frame; the reference to theatre emphasizes the act of looking, while in the foreground a series of irregular spheres or oscillating, wavy silhouettes creates a lively shadow play. Another work from that time, Trinità (Trinity) (1966), consists of three large white canvases punctuated by lines of holes, embraced in a theatrical setting made from ultramarine plastic sheets vaguely resembling wings. In the last years of his career, Fontana became increasingly interested in the staging of his work in the many exhibitions that honored him worldwide, as well as in the IDEA of purity achieved in his last white canvases. These concerns were prominent at the 1966 Venice Biennale, for which he designed the environment for his work. At Documenta IV in Kassel in 1968, he positioned a large, plaster slash as the centre of a totally white labyrinth, including ceiling and floor (Ambiente spaziale bianco). Shortly before his death he was present at the "Destruction Art, Destroy to Create" demonstration at the Finch College Museum of New York. Then he left his home in Milano and went to Comabbio (in the province of Varese, Italy), his family's mother town, where he died in 1968. .
Lucio Fontana. "Concepto spaziale", 1965. Tinta china sobre papel. Dimensiones: 30 x 20 cm. con certificado. Se trata de un trabajo preparatorio que se representa en este cuadro por una doble cara, es decir, el anverso y el reverso. Fue adquirido en Roma, en la galería de arte "Il Segno". Buen estado. Lucio Fontana (italiano: 9 de febrero de 1899 - 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, escultor y teórico argentino-italiano. Se le conoce sobre todo como el fundador del Espacialismo. Nacido en Rosario, provincia de Santa Fe (Argentina), de padres inmigrantes italianos, era hijo del escultor Luigi Fontana (1865-1946). Fontana pasó los primeros años de su vida en Argentina y luego fue enviado a Italia en 1905, donde permaneció hasta 1922, trabajando como escultor con su padre y luego por su cuenta. Ya en 1926 participó en la primera exposición de Nexus, un grupo de jóvenes artistas argentinos que trabajaban en Rosario de Santa Fe. En 1927 Fontana regresó a Italia y estudió junto a Fausto Melotti con el escultor Adolfo Wildt, en la Accademia di Brera de 1928 a 1930. Allí presentó su primera exposición en 1930, organizada por la galería de arte milanesa Il Milione. Durante la década siguiente viajó por Italia y Francia, trabajando con pintores abstractos y expresionistas. En 1935 se unió a la asociación Abstraction-Création de París y de 1936 a 1949 realizó esculturas expresionistas en cerámica y bronce. En 1939 se unió al Corrente, un grupo de artistas expresionistas de Milán. En 1940 regresó a Argentina. En Buenos Aires (1946) fundó la academia Altamira junto con algunos de sus alumnos, e hizo público el Manifiesto Blanco, donde se afirma que "Materia, color y sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo constituye el nuevo arte". En el texto, que Fontana no firmó pero al que contribuyó activamente, comenzó a formular las teorías que expandiría como Spazialismo, o Espacialismo, en cinco manifiestos entre 1947 y 1952. A su regreso de Argentina en 1947, apoyó, junto con escritores y filósofos, el primer manifiesto del espacialismo (Spazialismo)**. Fontana encontró su estudio y sus obras completamente destruidos en los bombardeos aliados de Milán, pero pronto reanudó sus trabajos de cerámica en Albisola. En Milán colaboró con destacados arquitectos milaneses para decorar varios edificios nuevos que formaban parte del esfuerzo de reconstrucción de la ciudad tras la guerra. Tras su regreso a Italia en 1948, Fontana expuso su primer Ambiente spaziale a luce nera ("Ambiente espacial") (1949) en la Galleria del Naviglio de Milán, una instalación temporal consistente en una forma gigante parecida a una ameba suspendida en el vacío en una sala a oscuras e iluminada con luz de neón. A partir de 1949 inició la llamada serie Concepto Espacial o tajo, consistente en agujeros o tajos en la superficie de pinturas monocromas, dibujando un signo de lo que él denominó "un arte para la Era Espacial". Ideó el título genérico Concetto spaziale ("concepto espacial") para estas obras y lo utilizó para casi todas sus pinturas posteriores. Estas obras pueden dividirse en grandes categorías: los Buchi ('agujeros'), que comenzaron en 1949, y los Tagli ('tajos'), que instituyó a mediados de la década de 1950. Fontana solía forrar el reverso de sus lienzos con gasa negra para que la oscuridad brillara tras los cortes abiertos y creara una misteriosa sensación de ilusión y profundidad. En 1951 creó un elaborado techo de neón llamado "Luce spaziale" para la Trienal de Milán. En su importante serie de Concetto spaziale, La fine di Dio (1963-64), Fontana utiliza la forma de huevo. Con su serie Pietre (piedras), iniciada en 1952, Fontana fusionó lo escultórico con la pintura incrustando las superficies de sus lienzos con fuertes empastes y vidrio coloreado. En su ciclo Buchi (agujeros), iniciado en 1949-50, perforó la superficie de sus lienzos, rompiendo la membrana de la bidimensionalidad para resaltar el espacio detrás del cuadro. A partir de 1958 depuró sus pinturas creando superficies mates y monocromas, centrando así la atención del espectador en los cortes que rasgan la piel del lienzo. En 1959 Fontana expuso pinturas recortadas con múltiples elementos combinables (denominó a los conjuntos quanta), y comenzó Naturaleza, una serie de esculturas realizadas cortando un tajo a través de una esfera de arcilla de terracota, que posteriormente fundió en bronce. Fontana participó en numerosos proyectos de colaboración con los arquitectos más importantes de la época, en particular con Luciano Baldessari, que compartió y apoyó su investigación para Spatial Light - Structure in Neon (1951) en la IX Trienal y, entre otras cosas, le encargó el diseño del techo del cine del Pabellón Sidercomit en la XXI Feria de Milán de 1953. Hacia 1960, Fontana comenzó a reinventar los cortes y punciones que habían caracterizado su personalísimo estilo hasta entonces, cubriendo lienzos con capas de gruesa pintura al óleo aplicada a mano y con pincel y utilizando un bisturí o un cuchillo Stanley para crear grandes fisuras en su superficie. En 1961, a raíz de una invitación para participar junto con los artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko y Sam Francis, entre otros, en una exposición de pintura contemporánea titulada "Arte y contemplación", celebrada en el Palazzo Grassi de Venecia, creó una serie de 22 obras dedicadas a la ciudad lagunar. Manipuló la pintura con los dedos y diversos instrumentos para hacer surcos, incluyendo a veces fragmentos dispersos de cristal de Murano. Posteriormente, Fontana fue invitado por Michel Tapié a exponer las obras en la Martha Jackson Gallery de Nueva York. Como consecuencia de su primera visita a Nueva York en 1961, creó una serie de obras en metal, realizadas entre 1961 y 1965. Las obras consistían en grandes planchas de cobre brillante y rayado, perforadas y ranuradas, cortadas por dramáticos gestos verticales que recuerdan la fuerza de la construcción neoyorquina y el metal y el cristal de los edificios. Entre las últimas obras de Fontana se encuentra una serie de Teatrini ("pequeños teatros"), en los que volvió a un lenguaje esencialmente plano utilizando telas de fondo encerradas en alas que se asemejan a un marco; la referencia al teatro enfatiza el acto de mirar, mientras que en primer plano una serie de esferas irregulares o siluetas oscilantes y onduladas crean un animado juego de sombras. Otra obra de esa época, Trinità (Trinidad) (1966), consta de tres grandes lienzos blancos puntuados por líneas de agujeros, abrazados en un escenario teatral hecho de láminas de plástico ultramarino que recuerdan vagamente a alas. En los últimos años de su carrera, Fontana se interesó cada vez más por la puesta en escena de su obra en las numerosas exposiciones que le honraron en todo el mundo, así como por la IDEA de pureza conseguida en sus últimos lienzos blancos. Estas preocupaciones destacaron en la Bienal de Venecia de 1966, para la que diseñó el entorno de su obra. En la Documenta IV de Kassel, en 1968, colocó un gran tajo de escayola como centro de un laberinto totalmente blanco, techo y suelo incluidos (Ambiente spaziale bianco). Poco antes de su muerte asistió a la manifestación "Destruction Art, Destroy to Create" en el Finch College Museum de Nueva York. Después dejó su casa de Milán y se fue a Comabbio (en la provincia de Varese, Italia), la ciudad natal de su familia, donde murió en 1968. .
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